La Commedia Musicale “Odisseo è un rivisitazione dell’ “Odissea” di Omero in chiave moderna, divertente e con atmosfere oniriche, che gli autori hanno voluto scrivere per allietare e nel contempo far riflettere il pubblico. Il nostro lavoro vuole essere una metafora del viaggiare, dell’esplorare, dello stesso cercare inteso come meta, per arricchirsi di nuovi luoghi geografici e di nuove visioni. Quel cercare che è già di per sé un trovare, come diceva Sant’Agostino. Per arricchirsi anche di nuovi luoghi, o non luoghi, metafisici, e quindi di nuovi percorsi interiori e spirituali, che altrimenti resterebbero per sempre inesplorati.

Odisseo è un moderno Ulisse che facciamo partire dalla Sicilia piuttosto che da Itaca, e che attraverso varie vicissitudini facciamo arrivare nella bella Parigi. Da qui uno scorrere di personaggi Omerici che si incontreranno e anche scontreranno con il protagonista, attraverso dialoghi, musica e balli. Odisseo dovrà vedersela con la Maga Circe, con Polifemo, con i Proci e altri personaggi. 

Cercando di non annoiare attraverso una voluta leggerezza che contraddistingue lo stile della nostra Compagnia. Infatti, lo stesso nome di “La Compagnia del Tempo Relativo” e il suo stesso logo, che rappresenta la famosa e scanzonata foto di Einstein che fa le linguacce, pensiamo che evochino già di per sé una certa leggerezza.

Lo spettacolo in questione, “Odisseo … la mia storia”, è composto da ventotto elementi che comprendono attori, ballerini e cantanti.

I DUE GENTILUOMINI DI VERONA

Di William Shakespeare

Rivisitazione del Testo a cura di Sabrina Quaranta e Andrea Vitale

Regia di Francesco Rizzati

Nella pièce teatrale, i due giovani protagonisti, Valentino e Proteo, mettono in discussione la loro amicizia per l’amore verso la stessa ragazza.

Lo spettacolo, il cui testo è stato riadattato da Sabrina Quaranta e Andrea Vitale, fa riflettere sulle scelte che la vita pone davanti: amore o amicizia? Partire o restare? Crescere o rimanere bambini? Un nuovo finale adatta lo spettacolo alla nuova sensibilità odierna verso le donne e la loro possibilità di scegliere.

Nell’anno in cui ricadono i duemila anni dalla morte del poeta Ovidio, abbiamo deciso di portare in scena il nostro spettacolo-mondo. “Cantami dell’universo” esplora il millenario dilemma del rapporto tra umano e divino, il contrasto tra libera scelta e fato, il desiderio degli uomini di innalzarsi verso il cielo e il potere degli Dei di vendicarsi e punirli di tale arroganza, ma anche di essere generosi e ricompensarli per i sinceri atti di devozione a loro dedicati.
Lo spettacolo è ispirato ai quindici libri dell’opera di Ovidio, in cui i miti si inanellano come se fossero perle di una collana, lungo un filo di seta che si dipana tra oceani, boschi, villaggi, palazzi reali e buie caverne.
A partire dal mito della creazione, l’escamotage teatrale di multiple voci narranti accompagna lo spettatore attraverso alcune storie notissime: la brusca interruzione della festa nuziale di Orfeo e Euridice e la discesa agli inferi del disperato musico, la suprema sete di ricchezza di Re Mida, il delicato e poetico incontro tra Eros e Psiche. Altri miti, forse meno conosciuti, raccontano lo struggente pianto di Alcione in attesa del ritorno di suo marito Ceice che si innalza fino all’Olimpo a commuovere perfino l’altera Afrodite, o ancora i buffi tentativi del goffo e timido Vertumno di far innamorare di sé la bellissima ninfa Pomona.
In scena, la stratificazione dei vari livelli di lettura dello spettacolo nasce dall’incontro tra teatro di parola – la narrazione come fulcro originale della comunicazione teatrale – e il potere evocativo delle azioni metaforiche che esaltano il valore contemporaneo di un sistema mitologico ideato millenni fa, eppur estremamente attuale. Perché nonostante le scoperte scientifiche, lo sviluppo, e la frenesia del mondo tecnologico odierno, gli uomini sono ancora alle prese con le stesse emozioni incarnate dai personaggi di “Cantami dell’universo”: amore, orgoglio, nostalgia, speranza, rispetto, vendetta, fede.

Note di regia

Come si mette in scena l’universo?
Per sottrazione. Lasciamo respirare il palco, affinché siano le parole e i gesti degli attori ad evocare per lo spettatore i mille luoghi attraversati, gli scenari sovrapposti, le emozioni suscitate.
Pochi elementi scenici – una porta rossa, una sedia bianca, del sale, del sughero, delle vele bianche – appaiono e scompaiono per trasformare lo spazio in luoghi diversi. Gli attori stessi diventano oggetti inanimati, animali, dei o semi-dei in un continuo gioco di ruoli.
Dal fondo, a tratti, delle video-proiezioni immergono gli attori in immagini alate o floreali. I personaggi di “Cantami dell’universo” fluttuano, emergono dalle acque, scompaiono nel deserto, ma soprattutto vengono evocati dal nulla del tempo.

Visioni
I colori giocano un ruolo centrale nella costruzione visiva dello spettacolo. Gli Dei sono vestiti con estrema eleganza, coi toni del cielo, dei tramonti, delle profondità oscure, ma sempre con bagliori di oro. Sonno è circondato dalla leggerezza di nuvole bianche, Ade e Persefone da sfolgorii di perle nere. Afrodite è una icona della Hollywood anni ’50, un po’ Gloria Swanson un po’ Grace Kelly.
Re Mida è un rampante manager, un aizzatore di folle, un guru di corsi di personalità e auto-coscienza.
Bauci e Filemone sono due vecchini da manga giapponese.
Lo spazio scenico è costruito su contrasti di luce e ombra, spesso diviso tra proscenio e sfondo che vengono illuminati diversamente per sottolineare l’azione principale ed incorniciare quella secondaria.
La musica è un sottofondo, ma anche un personaggio con cui i narratori dialogano, alternando sonorità e ritmi, intersecandoli, giocandoci.

Cosa diciamo?
Usiamo la polivocalità. Gli attori sono narratori in alcune scene, e personaggi agenti in altre (Dei, fauni, Re, lavandaie, bambinaie, principesse, ninfe). Non c’è mai una separazione netta e definitiva tra chi narra e chi agisce. A volte un narratore ruba la battuta ad uno dei personaggi coinvolti in prima persona nel mito, altre volte sono i personaggi stessi a fuoriuscire per un momento dall’azione e diventare narratori della propria storia. Ci si sovrappone, ci si scambia, ci si incrocia. La polivocalità crea movimento, sposta l’asse dell’interesse, mantiene viva la curiosità, il desiderio di immergersi nel mondo di “Cantami dell’universo” e divenire parte integrante del flusso.

Perché narrare i miti?
E’ una necessità. Lo spettacolo ha messo in moto le energie di tutti coloro che sono stati coinvolti, ha contribuito alla loro/nostra metamorfosi individuale e di gruppo.
Il pubblico che ha partecipato alle prime letture pubbliche del testo ci ha subito indicato che eravamo sulla strada giusta, che esisteva una connessione diretta, emozionale tra le nostre parole recitate e le loro esperienze vissute. Ma in fin dei conti noi siamo loro, ne condividiamo il tempo presente, le ansie, le speranze.
La messa in scena finale è nata avendo già in mente i singoli artisti a cui affidare i ruoli, ed in quanto tale potrebbe essere un progetto chiuso. Ma in realtà è estremamente aperto, vitale, che necessita dello scambio energetico con il pubblico. “Cantami dell’universo” si pone in una linea di tradizione millenaria, le cui radici sono immerse in Ovidio e nella cultura orale che lo ha preceduto e di cui lui è stato interprete. Siamo alla ricerca di una comunità; alle radici dell’atto teatrale.

Il celebre lavoro di William Shakespeare è stato riproposto, nel corso degli anni, nei più diversi modi, sia attraverso le rappresentazioni teatrali che attraverso il cinema. Qui se ne dà una lettura in chiave più moderna e, senza minimamente alterare la storia, si vuole tuttavia renderla più scarna anche dal punto di vista delle scenografie e dei costumi, che nessun riferimento hanno con il periodo storico nel quale è ambientata. I diversi personaggi si muovono in un ambiente mutevole che, a seconda del cambiamento delle luci, diventa altro ogni volta. Accompagnati dalle melodie di Gabriel Fauré  Antonio e Shylock, i due personaggi tragici del lavoro shakespeariano, si muovono contornati da tutti i personaggi della commedia, sia malinconici, sia buffi o leggeri, innamorati o cinici,  per poi ritrovarsi, nelle ultime battute legati in un unico destino di solitudine e amarezza che ne fa due figure vicine e quasi solidali. La lettura dell’intero lavoro fa di Shylock un personaggio umano e perseguitato, più che un essere crudele e meschino, e di Antonio una figura alta e distante dall’antisemitismo che viene troppo spesso evidenziato nella piece. L’essenzialità dei costumi e delle scenografie lascia così spazio ai caratteri umani, più che alla rappresentazione storica, che vengono evidenziati anche facendo uso di tecniche attoriali come quella della commedia dell’arte nel personaggio di Lancillotto.  

“La dodicesima notte” è la commedia di William Shakespeare dove poesia e gioco, amore e divertimento, emozione e riso meglio si avvicendano e si fondono.

Due giovani gemelli, identici – una femmina e un maschio – Viola e Sebastian, naufragano sulle coste dell’Illiria, senza che l’una sappia più nulla dell’altro.

Viola, travestita da uomo e, dunque, con il nome di Cesario, giunge alla corte del Duca Orsino, maturo e romantico signore di quelle terre e innamorato della bella e (relativamente) austera nobildonna Olivia che però di lui nulla vuol sapere.

Viola si innamorerà di Orsino, ma sarà da lui inviata come messaggero d’amore da Olivia che credendola un uomo – si innamorerà a sua volta di lei, mentre Sebastian  – aiutato dalla (pure) matura e coraggiosa Myriam, ricercata,  per un’antica condanna, da Orsino e anch’ella naufraga e innamorata del ragazzo – giungerà anch’egli dalla dama che lo scambierà per Viola/Cesario, innescando incredibili equivoci …

Il tutto, mentre alla corte di Olivia si intrecciano le esilaranti vicende del sagace e irriverente buffone Feste –  l’alter ego di Shakespeare, il coro, il principio il cuore e la fine della commedia – del simpatico cugino Sir Toby – beone e mangione, dello stolto Sir Andrew – che inutilmente (per ragioni economiche) aspira alla mano di Olivia – della comaresca serva Mary, e, specie, del saccente e irreprensibile maggiordomo Malvolio, vittima della micidiale burla dei quattro, capaci di fargli credere – con una finta lettera – che la sua signora si è innamorata di lui, inducendolo così ad indossare – per lei – le sue (famosissime) calze gialle e giarrettiere incrociate che invece Olivia detesta …

Sarà, Letizia, la piccola e ironica fantesca di Orsino, quasi come un deus ex machina, a contribuire a risolvere l’intrigo … forse …

“La dodicesima notte” è la commedia dell’amore.

L’amore in tutte le sue sfaccettature: specie quello impossibile – magari ridicolo – per difetto di complementarità, ma anche per scarto generazionale o di censo, l’amore che non ti aspetti e che spesso ti sorprende.

Una commedia oltre la commedia, visto che, dopo questa, “altre ne verranno, perché la pioggia cade e il vento soffia, un giorno dopo l’altro”: una messa in scena particolare, dove la poesia è rimasta intatta, al pari del sorriso e del riso, tutti sempre attuali, ma nella propria, naturale evoluzione “dell’universale universo shakespeariano”.

Beatrice, moglie del benestante Cavalier Fiorica, vive in un paese del continente, dove da tempo si è trasferita dalla lontana Sicilia; convinta che il marito la tradisca con la sposa del suo scrivano e conterraneo Ciampa, da poco assunto e, allontanato quest’ultimo con una scusa, contro l’opposizione di servitù e familiari, (lo zio Fifì, la madre Assunta), ne favorisce un incontro, per dimostrare la verità di tale tradimento, denunciando i supposti amanti all’amica Spanò, delegato di polizia. 

 Ma il verbale che verrà redatto sarà negativo. Ciampa, scoperto quanto accaduto, però, non si accontenterà di questo: vorrà la pazzia di Beatrice per dimostrare, in modo assoluto, che la sua “fronte è sana, libera e sgombra”.

NOTE DI REGIA

De “Il Berretto a sonagli”, indiscusso capolavoro di Luigi Pirandello, invero, esistono molti, infiniti piani di lettura. La relatività della contrapposizione tra follia e sanità:“solo due aspetti di un unico aspetto”. L’uomo, attento sola a ciò che superfluamente utile, come Fifì, o “fino di comprendonio”, come Ciampa, essenza della tradizione, dell’apparire, forma suprema di realtà, poiché “si” è ciò che “si” appare agli altri, anzi, ciò che “si” pensa ad essi appaia. D’altronde, “pupi, siamo” e non basta esserlo “per spirito divino”, perché ci “si vuole fare pupi per contro proprio”, perché non si è mai contenti della parte assegnata, perché si vuole muovere i fili del proprio pupo. E i fili degli altri pupi. Ma nella commedia esiste un altro piano, poco frequentato: la condizione della donna: la sua volontà di riscatto sociale, di ribellione. Quella di Beatrice, ferita nella sua dignità dal tradimento che essa stessa vuole provocare, per dare corpo a ciò che è solo ipotesi, per tornare, di nuovo (o per la prima volta) libera. Quella della donna “comandata” come serva – Fana – che sa solo ciò che vede, ciò che sente e, infine, ciò che capisce o, ancora, quella della donna “comandata” come moglie – Nina, consorte di Ciampa – beffarda, possibile, fedifraga. Quella di Assunta, desiderosa di “mantenere l’abbondanza”, senza rischi o quella della Saracena, convinta di avere ridotto il marito a un cagnolino che la segue, della piccola Lucia, apparentemente indifferente alle ansie degli adulti. Allora, un riscatto improprio, anzi impossibile, quello di Beatrice perché “gli uomini vanno presi di fianco e non di fronte”, perché sono meritevoli solo di “una lezioncina” e non di altro. E la necessità di far riquadrare quell’equilibrio tra realtà e apparenza che Beatrice ha sovvertito, questa necessità assoluta che Ciampa richiede, imponendo la pazzia a Beatrice, la porta a quella sconfitta già annunciata dall’autorità (mediata) del Delegato Spanò (non a caso, qui, una donna, “la prima donna delegato della nazione”); ma l’indossare il berretto a sonagli della pazzia è solo una sconfitta apparente, perché quel berretto diviene uno strumento di libertà, come è apparente la sottomissione di Caterina ne “La bisbetica domata” di Shakespeare. O forse no. E’ sconfitta e basta. La risposta allo spettatore perché non esistono risposte assolute, perché nulla è (mai) assoluto.

La Carriola

Fa parte della raccolta Novelle per un anno ed è stata pubblicata nel 1928 nel volume “Candelora”. L’intera vita del protagonista in questa novella è ridotta ad una maschera grottesca ma nel contempo mette in luce il problematico oscillare tra vita e forma, tra persona e personaggio che è il fondamento della poetica umoristica. La metafora della maschera spiega come l’uomo si nasconda dietro di essa, tanto da non riconoscere la propria personalità. Nella realtà quotidiana gli individui non si mostrano mai per quello che sono ma assumono una maschera che li rende personaggi e non li rivela come persone. La maschera non è altro che una mistificazione pirandelliana, simbolo alienante, indice della spersonalizzazione e della frantumazione dell’Io in identità molteplici in relazione al contesto e alla situazione sociale che la impone.

L’Uomo Dal Fiore In Bocca

Testo teatrale derivato direttamente dalla novella “la morte addosso” inclusa nella collezione Novelle per un anno. Pubblicato nel 1923 è un atto unico piuttosto breve ma di intensa carica emotiva e grande drammaticità. Un omaggio a temi cari a Pirandello: le riflessioni sul senso della vita, la presenza incombente della morte, l’ironia che ricorda alla vita di abbassare lo sguardo, il rapporto tra uomo e donna, il senso di solitudine. Un dramma borghese nel quale convergono i cardini della ‘filosofia Pirandelliana’ e la relatività della realtà. La regia e l’interpretazione dell’attore siciliano Ernesto Marletta  rende il dramma un delicato racconto di vita difficile quale è la consapevolezza della morte e della malattia, come il piacere di vivere ogni attimo e gesto della giornata come un momento di estremo piacere.

Brillante e intramontabile commedia di Aristofane che risale al 411 a.c. ma ci stupisce per la sua modernità impressionante in quanto pone le donne sullo stesso piano degli uomini in perfetta uguaglianza. La storia è quella di una donna che riesce a radunare e a convincere le sue sorelle provenienti dalle più lontane province della Grecia ad attuare lo sciopero del sesso per ottenere finalmente una pace duratura nel Peloponneso e ristabilire la quiete e la tranquillità in un mondo sconvolto dalla violenza.

Mettiamo in scena uno spettacolo corale, una rivisitazione moderna e divertente che non mancherà di stupire. Cerchiamo di regalare al pubblico genuine risate e buonumore, ma anche momenti più poetici e spunti di riflessione sui grandi temi della guerra, purtroppo così attuale, e dell’amore, nelle sue dinamiche senza tempo.